Motherwell, maestro del expresionismo

Publicado en Julio 14, 2011

El próximo sábado se cumplirán 20 años de la muerte de Robert Motherwell. Símbolo del arte expresionista norteamericano, su original obra se nutrió mucho de la historia de España.

Pasado mañana se cumplirán dos décadas del fallecimiento de Robert Motherwell. La fecha es, en sí misma, una más de las efemérides del mundo del arte. Pero probablemente sirva para revalorizar la obra de quién comenzó su carrera “encolumnado” en el surrealismo y se consagró como icono del expresionismo abstracto, al menos como lo entienden los norteamericanos.

A pesar de su nacionalidad estadounidense, una parte importante de su legado se centra en España, a propósito de la república y la guerra civil españolas. Su celebrada serie “Elegía a la República Española” es el resultado del impacto ideológico y emocional que aquellas páginas de la historia ibérica dejaron en Motherwell.

En una entrevista con El País en 1980, el propio Motherwell lo explicaba así: “Entonces tenía veintiún años y no pertenecía a ningún partido político, pero la guerra civil fue todo un símbolo para mi generación; un poco como ocurriría después, a fines de los sesenta, con la guerra del Vietnam, con la única diferencia de que en la española veíamos el dramático preludio de la segunda guerra mundial. Comprendo que resulte chocante que un yanqui se mezcle en cuestiones españolas, pero no quiero proyectar mis ideas sobre España -mi personal forma de ver las cosas- en los españoles”.

Dalí, no

Admirador de Picasso y Matisse, Motherwell decía no entender la obra de Dalí y entendía que muchas de sus influencias estaban entre sus propios contemporáneos: Jackson Pollock y Mark Rothko, por ejemplo.

Destacado también como historiador del arte, el fanático uso del color negro no fue su único rasgo distintivo. Motherwell se diferenció, además, por ser un lúcido escritor de su generación. Pocos explicaron como él cuál era –o pretendía ser- la visión del mundo del expresionismo abstracto y cómo se transitaban los caminos del arte no figurativo.

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Texto: Andrés Bacigalupo

El surrealismo de Chagall llega a San Sebastián

Publicado en Diciembre 19, 2010

El pintor bielorruso será uno de los protagonistas estelares de 2011 en la Sala Kubo. La elección coincidirá con el 25º aniversario de la muerte del gran genio del surrealismo.

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De su obra se dice que puso las justas cuotas de humor, delirio y fantasía al inestable siglo XX y que sus imágenes impregnaron de imaginación a toda una generación de aprendices y seguidores. Mar Chagall, de origen bielorruso pero afincado muy pronto en Francia, fue también pintor de murales y exquisito realizador de escenografías teatrales.
Hijo de una familia pobre y testigo inevitable de las agitadas convulsiones soviéticas, Chagall tuvo una vida intensa, marcada por las carencias y signada por una visión melancólica de la existencia. Él mismo confesaría en 1931 que sólo cuando se cruzó con su musa y esposa Bella Rosenfeld, las cosas tomarían finalmente otro cariz. Hasta entonces, “nací muerto”, sentenciaría en el texto autobiográfico “Mi Vida”.
Y sin embargo, de aquella gris carestía inicial, Chagall, con su arte, abrió auténticas ventanas a la imaginación, jugando en sus lienzos con la combinación agridulce de sueños y temores. Este gran maestro también es recordado como un fanático admirador de Rembrandt y un expresionista empedernido en el uso de los colores primarios (el rabino verde, judíos rojos y las casas, de verde o azul).

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De origen judío, Chagall también retrató la cotidianeidad de su pueblo en las aldeas rusas de principios de siglo.”Yo y la aldea”, de 1911 y “La casa gris”, de 1917 acaso sean sus mejores exponentes al respecto. Otro legado trascendente de Chagall son las 12 vidrieras en la sinagoga del Hospital Hadassah de Jerusalén, realizadas en 1962.

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En la Sala Kubo

El año próximo, la Sala Kubo de San Sebastián (que acaba de festejar su década de existencia), dedicará una de sus dos muestras principales a Chagall. Según adelantaron los organizadores, la exposición contará con obras cedidas por coleccionistas particulares e instituciones y tendrá lugar a comienzo del verano europeo. Mientras tanto, quienes deseen redescubrir la obra de Chagall en otras fechas, pueden recalar en Niza, ciudad en la que hay un museo en su honor, tal como hemos reseñado recientemente en MV Experiencias.

(Foto 2: JerusalemShots.com)
Texto: Andrés Bacigalupo
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Joseph William Turner - Roy Lichtenstein

La importancia de llamarse Turner

Publicado en Noviembre 22, 2010

Una obra clave de Joseph Mallord William Turner, pintor británico fallecido hace 160 años, protagoniza ahora una polémica batalla cultural entre Londres y Washington.

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A contramano del estereotipo del pintor que muere pobre y caído en desgracia, Joseph Mallord William Turner (1775-1851) pudo, al menos durante sus últimos días, disfrutar de una renta económica importante fruto de su trabajo.
Ese reconocimiento monetario, no obstante, no iba necesariamente de la mano del reconocimiento estético. Sólo el paso de los años permitió resaltar las virtudes de Turner: experto en el paisajismo en acuarela (cuya técnica fue luego analizada en toda Europa) y “maestro de la luz”.
La visión de Turner, según el crítico John Ruskin, expone el romanticismo sublime, aquel que no deja de remarcar la vulnerabilidad del hombre frente a la naturaleza y sus designios. No resulta casual que la temática de catástrofes, incendios y hundimientos se repita en los trabajos del pintor.
Precisamente en esa línea también se inscribe “Modern Rome Campo Vaccino”, óleo que escenifica una ciudad de Roma envuelta en la neblina, y que hoy protagoniza una aguda polémica entre las autoridades británicas y los compradores internacionales de arte.

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La controversia comenzó el mismo día en que un particular adquirió la obra al valor récord de 34,5 millones de euros. Como la adquisición implica que el cuadro saldrá tarde o temprano de Gran Bretaña, las autoridades impusieron una prohibición temporal. ¿El motivo? Turner es considerado casi un emblema del arte inglés y ya hay “demasiadas” obras suyas “dando vueltas” en museos extranjeros o colecciones privadas.
De momento, los museos y/o particulares británicos tendrán hasta el 2 de febrero para reunir una cifra que supere la de la oferta actual y así evitar que las leyes del mercado se lleven a otra parte la Roma difusa de Turner.

Texto: Andrés Bacigalupo
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“Thunder Storm Approaching at Sun-Set”, una obra de Turner que está en el Victoria & Albert Museum.

Evocando a un genio

Publicado en Septiembre 24, 2010

La semana próxima se cumplirán trece años de la muerte de Roy Lichtenstein, un emblema del arte pop cuya herencia no deja de ser noticia.

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El 29 de septiembre de 1997 murió Roy Lichtenstein. Este neoyorquino talentoso dejaba atrás una carrera artística prolífica, marcada por unos inicios anclados en el expresionismo abstracto y continuando luego por su reinterpretación del cómic y el acercamiento a la cultura de masas.
Influido por Matisse y Picasso, Lichtenstein fue un acertado exegeta de las obras de otros genios. Así, “intervino“, por ejemplo, los cuadros de Frederic Remington.
Su legado es hoy uno de los más cotizados en el mundo del arte y su nombre se repite en Sothebys o Christies, las casas de remate más famosas. Por caso, en noviembre próximo se subastará “Imperfect print por B.AM.”, una obra suya de 1987.

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Algo más curiosa es la historia de “Modern Painting with a Yellow Interweave”, un cuadro de Lichtenstein valuado en un millón y medio de dólares. Esta obra motivó un enfrentamiento entre Brasil y EE.UU, hasta que este último país la devolvió a Río de Janeiro porque había salido de allí mediante una compra ilegal.

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Más allá de estas desavenencias, lo cierto es que Lichtenstein, con su irreverencia temática y su nada sofisticada paleta de colores “industriales” abrió una épica distinta, con sus personajes en primer plano que muchas veces parecen inmiscuidos irremediablemente en una suerte de tragedia pop.

Texto: Andrés Bacigalupo
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Galerías Saatchi de Londres

 

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