Emblemas de los ´70 en la Forum Gallery

Publicado en Agosto 3, 2011

Hasta principios de septiembre, la prestigiosa galería neoyorquina exhibirá algunas obras fundamentales de pintores tan diversos como Tom Wesselmann, Joseph Hirsch y David Levine.

All aboard from home”, de Joseph Hirsch

Bohemios, curiosos, expertos en arte o perfectos profanos. Cualquiera de ellos que esté por las inmediaciones de la Quinta Avenida neoyorquina hasta el 2 de septiembre próximo podrá disfrutar de la heterogénea muestra temporal que la Forum Gallery ha ideado para este verano boreal.

La diversidad de pintores se unifica nada más –ni nada menos- que por la década de 1970, período especialmente fructífero para el arte mundial en general y para el arte norteamericano en particular. Con el elocuente título de “That Seventies Show”, los curadores de Forum plantean una exposición ecléctica e interesante que agrupa obras de figurativos como Gregory Gillespie, David Levine y Joseph Hirsch (entre otros) y de referentes del pop art como Tom Wesselmann.

Más allá de la excusa cronológica para disfrutar de “buen arte”, desde Forum remarcan la efervescencia creativa de los ´70, década que vio la consolidación de algunas corrientes como la abstracción, sobre todo de la mano de Richard Anuszkiewicz y Eli Bornstein.

Study for Sedre Nude Print”, de Tom Wesselmann

Nottingham y Wesselmann

Otro aspecto destacado de esta exhibición es el “rescate” de los trabajos de Robert Cottingham y Tom Wesselmann. Aunque cada uno con un estilo bien definido, ambos artistas sobresalieron por el temprano empleo de la fotografía en sus obras.

Wesselmann –quién mostró una gran pericia en técnicas como la litografía y la serigrafía- se hizo popular por sus impactantes desnudos y por tematizar los consumos cotidianos.

Por su parte, Robert Cottingham es considerado en EE.UU un pionero del llamado “fotorrealismo”, movimiento posterior a la efusividad del pop-art, del cuál muchos lo consideran un “hermano menor”.

La exhibición tiene lugar en la Forum Gallery de Nueva York (730, Fifth Avenue at 57 street). Más info en la web de la galería.

Barber shop”, de Robert Cottingham
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Kusama, la artista de los mil puntos

Publicado en Abril 27, 2011

Surgió en los ´60 neoyorquinos y su obra fue ganando un paulatino reconocimiento. Internada en un hospital psiquiátrico desde hace décadas, nunca dejó de producir. En mayo, el Reina Sofía de Madrid inaugura una amplia exposición sobre ella.

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Los puntos la han obsesionado desde muy pequeña. Grandes, pequeños pero sobre todo multicolores. De una singular manera, ellos son los que mejor unen los vaivenes de una artista que vivió desde adentro la ebullición creativa de los sesenta.
Su popularidad comenzó a crecer tras un impactante happening de 1968 (“Anti war naked happening and flag burning bridge”) para afirmarse al calor de las múltiples influencias del arte pop, el minimalismo y el expresionismo abstracto.
Pero aunque la escena artística del Nueva York de los ´60 le pertenecía, Yayoi Kusama dejó EE.UU a comienzos de los setenta y volvió a su Tokio natal. Y más precisamente, a un neuropsiquiátrico.
Muchos pensaron que aquella internación era pasajera. Y muchos otros que significaba el final de su carrera. Se equivocaron unos y otros. Kusama lleva casi cuatro décadas de tratamiento y su capacidad y calidad expresivas no sólo no se han apagado. Parecen, por el contrario, encendidas y vibrantes.

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En el transcurso de su vasta trayectoria, Kusama ha expandido sus soportes (pintura, escultura, fotografía, collage, instalaciones) y ha cosechado premios como la Orden de las Artes de Francia (2003). Además, su declarado admirador Peter Gabriel grabó con ella una canción en 1994.

En Madrid, hasta septiembre

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Desde el próximo 10 de Mayo, el Museo Reina Sofía de Madrid abrirá la exposición sobre Kusama. Será oportunidad estupenda para explorar y disfrutar a esta artista japonesa que, al decir de los críticos triunfó “contra todo pronóstico” en un ambiente artístico predominantemente masculino (el Nueva York de fines de los ´60).
Luego de Madrid, la obra de Kusama continuará su itinerario por el Pompidou (París) y el Tate Modern (Londres).

Texto: Andrés Bacigalupo
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MZK: entre el arte y el cómic

Publicado en Marzo 2, 2011

Marcado por una estética desenfadada y a la vez naif, el artista brasileño Mauricio Zuffo Kuhlman sorprende gratamente como creador de personajes infantiles y no tanto.

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El título de este texto podría ser cuestionado fácilmente por muchos artistas e incluso por los fanáticos de las historietas ya que ¿acaso el cómic no es un arte? La respuesta a esa pregunta podría llevarnos por largas disquisiciones pero lo cierto es que Mauricio Zuffo Kuhlman -conocido popularmente como MZK- es un artista multifacético y parece moverse cómodo en las aguas de la pintura, la escultura e incluso la música (también es conocido por su labor como DJ en Brasil).
Nacido en San Pablo en 1968, MZK se ha destacado en su país desde fines de la década del ´80 cuando inició un camino artístico mediante la incursión en fanzines, ilustraciones de toda clase y arte callejero.

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Amén de eso, es el creador de dos singulares personajes: “Banzo y Benito”, que “nacieron” en 1999 y, a partir de entonces, recorren Brasil a través de libros y exposiciones. Orientadas al público infantil, estas historias risueñas sobre un tigre y un yacaré que son amigos se popularizaron primero en “Folhinha”, el suplemento para niños del diario Folha de São Paulo.

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Pero el perfil multifacético de Zuffo Kuhlman también se advierte en los lectores a los que apunta. Así, más allá de su llegada a los más pequeños, MZK ha creado cómics de temáticas adultas para Golden Shower (algo de ese trabajo se puede ver aquí) y prepara una intervención para el colectivo esloveno “Stripburger”.
Influenciado por el arte pop (quizá en la línea de Romero Britto), MZK refleja en su obra los trazos gruesos de una estética urbana y exuberante.

Texto: Andrés Bacigalupo
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Evocando a un genio

Publicado en Septiembre 24, 2010

La semana próxima se cumplirán trece años de la muerte de Roy Lichtenstein, un emblema del arte pop cuya herencia no deja de ser noticia.

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El 29 de septiembre de 1997 murió Roy Lichtenstein. Este neoyorquino talentoso dejaba atrás una carrera artística prolífica, marcada por unos inicios anclados en el expresionismo abstracto y continuando luego por su reinterpretación del cómic y el acercamiento a la cultura de masas.
Influido por Matisse y Picasso, Lichtenstein fue un acertado exegeta de las obras de otros genios. Así, “intervino“, por ejemplo, los cuadros de Frederic Remington.
Su legado es hoy uno de los más cotizados en el mundo del arte y su nombre se repite en Sothebys o Christies, las casas de remate más famosas. Por caso, en noviembre próximo se subastará “Imperfect print por B.AM.”, una obra suya de 1987.

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Algo más curiosa es la historia de “Modern Painting with a Yellow Interweave”, un cuadro de Lichtenstein valuado en un millón y medio de dólares. Esta obra motivó un enfrentamiento entre Brasil y EE.UU, hasta que este último país la devolvió a Río de Janeiro porque había salido de allí mediante una compra ilegal.

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Más allá de estas desavenencias, lo cierto es que Lichtenstein, con su irreverencia temática y su nada sofisticada paleta de colores “industriales” abrió una épica distinta, con sus personajes en primer plano que muchas veces parecen inmiscuidos irremediablemente en una suerte de tragedia pop.

Texto: Andrés Bacigalupo
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