La Osteria Francescana se sitúa en el corazón histórico de Módena, una ciudad en la que aún no se apagó el resplandor del Renacimiento y dónde se tiene la sensación de caminar todo el tiempo entre obras de arte maravillosas. De hecho, uno de los puntos históricos más visitados de Módena es la Galería Esténse, dónde pueden apreciarse los trabajos más significativos de pintores como Velásquez o El Greco.
Ubicada a 400 kilómetros de Roma (y a sólo 170 al sur de Milán), Módena es también el hogar culinario elegido por Massimo Bottura para ofrecer sus creativos manjares. Este aprendiz de Ferrán Adrià y Alan Ducasse combina los sabores de la tierra y el mar sin descuidar la originalidad ni las texturas. Realiza verdaderas artesanías con erizos de mar, berberechos y algas y gratifica a sus comensales con “pane, burro e alice”, un cono de pan crocante relleno de anchoas aciduladas con salsa verde sobre una emulsión de mantequilla.

Imposible no mencionar al bacalao servido con una ardiente sopa de cebolla, pimiento y garbanzos o al risotto cuyos colores matizan del negro al gris mientras se percibe intensamente el sabor a ostras.

Y -cómo no dejamos de estar en Italia- los tagliatelle y los raviolis también forman parte de las 19 maravillosas opciones del menú. En el primer caso, se los puede pedir con ragú de carne. Los raviolis, a su vez, sorprenden con un relleno de cotechino y lentejas con salsa de alubias. A disfrutar.

Texto: Andrés Bacigalupo / Foto 2: Camagna

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Hamburgo es una ciudad enorme, culturalmente intensa y con una fuerte personalidad. Siendo el segundo puerto más activo de Europa -y uno de los más importantes del mundo- no es extraño que la zona portuaria sea el corazón a través del cuál palpita la metrópoli.
Los viajeros también descubren que el puerto es una auténtica joya arquitectónica. Entre la cúpula verde de Saint Pauli Landungsbrücken y los viejos almacenes (reconvertidos en zonas francas) es posible comenzar un recorrido interesante por el resto de la ciudad.

Entre el puerto (Hafencity) y el centro, la larga lista de atractivos incluye el museo de las especies (Spicy´s), el Museo Afgano y el Museo del Juguete Dachobenbande. Y si tiene niños, o simplemente un espíritu de niño, no debería dejar de pasar por Wunderland, la tierra de las miniaturas.
En Wunderland, por ejemplo, está el modelo de ferrocarriles en miniatura más grande del mundo. Se trata de un auténtico espectáculo de 15 mil vagones que uno puede ver desplazarse en un entorno formado por otros miles de casas, árboles y puentes. El sistema tiene una complejidad tal que requiere de 60 ordenadores para manejarlo.

Sabores y espectáculos

En el mundo real, y si de abrir los sentidos se trata, el Spicy´s es una buena opción. Este, que es el primer museo de las especias del continente, no sólo cuenta la historia y elaboración de unas 900 variedades de condimentos, sino que permite tocar, oler y probar absolutamente todo.
Y si aquí se abre el apetito, se puede optar por un plato tradicional de Hamburgo que combina peras, panceta y judías (Birnen, Bohnen und Speck).
Por último, antes o después de cenar, es bueno saber que hay unos 40 teatros y 100 bares (y similares) repartidos por toda la ciudad, cuya vida nocturna y musical (aquí tuvo lugar la serie de recitales del Live Earth en 2007) no descansa.

Texto: Andrés Bacigalupo

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* Dos sugerencias

1- Los viajeros que no entiendan alemán, pero sí inglés, pueden pasar por el Teatro Inglés, próximo a la estación de metro de Mundsburg.
2- Sin nada que envidiarle al londinense Madame Tussauds, el Panoptikum de Hamburgo ofrece sus propias versiones en cera de Los Beatles, Albert Einstein, Michael Jackson y Lady Di.

Si el diseño no mira a la naturaleza -ni se nutre de ella- no vamos por buen camino. Esa es la premisa implícita en los trabajos del galés Ross Lovegrove, figura representativa de lo que se ha dado en llamar “diseño orgánico” y auténtica inspiración para la generación venidera en el tema.
Lovegrove - que ha pasado por firmas tan importantes y clásicas como Tag Heuer, Apple y Peugeot- se considera a sí mismo como el “traductor” del lenguaje de la naturaleza y cree firmemente que el diseño orgánico contribuye inmensamente a nuestro sentido de la vida y a nuestra forma de relacionarnos con las cosas.

Esa manera de vincularnos con el entorno debe ser tan ligera y liviana como sea posible, una característica que asoma invariablemente en sus trabajos; sean sillas, lámparas o relojes.
En un mundo que se virtualiza demasiado rápido, Lovegrove dice que desea que las personas disfruten más de sus diseños “en la realidad que en el ordenador”. Y, placeres estéticos aparte, no se olvida de la necesidad ecológica. “Necesitamos una nueva economía en la forma de producir”, insiste.

Hoy en MV Experiencias, quisimos compartir con ustedes el trabajo de Lovegrove tanto por la calidad estética de su obra como por la filosofía que la sustenta.

Texto: Andrés Bacigalupo

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Desde que “Garota de Ipanema” abriera al gran público el cancionero de la bossa nova allá por la década del ´60, el nombre Vinicius va indefectiblemente unido a De Moraes. No dejará de ser así pero ahora otro Vinicius - Cantuária- también viene a escribir su capítulo en la historia de este particular género.
Cantuária está considerado uno de los cantautores más innovadores de la música brasileña actual. Y esto porque aunque no se distancia de los ritmos de su país, ha incorporado estilos eclécticos que incluyen música de la India o blip-hop.

En 1996, el álbum “Sol na cara” fue el puntapié para la popularidad de Cantuaria, un amante del mejor norteamericano y acompañante reiterado de los grandes de la música brasileña, desde Buarque y Gilberto Gil hasta Nana Vasconcelos y Caetano Veloso. Los brasileños amaron especialmente su versión de la canción “Só Você”, disco que vendió más de un millón de copias.
La discografía de Cantuária es prolífica y continua. Lo último, Samba Carioca es más que recomendable; un disco con letras del propio Vinicius y colaboración en piano de Marcos Valle.

“Lua e estrela”, Vinicius Cantuaria.

CANTUARIA TEXTUAL:

“Estoy en el grupo de los músicos que unas veces venden un montón de discos y otras menos, pero esa variante no influye en mi proceso de creación. Conozco bien las dos caras de este juego y acepto formar parte de él porque no sé hacer otra cosa. ¿Tiene que ser triste vender un montón de discos y no sentirte músico?”

Texto: Andrés Bacigalupo

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En 1822 el cementerio de la Recoleta (llamado inicialmente “del Norte”) se convirtió en el primero (de carácter público) de Buenos Aires. Desde aquella fecha, ha pasado demasiada agua bajo el puente de la historia argentina y un sinnúmero de personajes singulares -e inolvidables- han terminado aquí, a veces muy próximos a las tumbas de quienes en vida fueron sus acérrimos enemigos.
En la Recoleta descansan unas 350 mil almas, cifra por demás sorprendente que incluye 25 presidentes constitucionales, 100 gobernadores y casi 200 héroes de la independencia. Desde Borges y Evita hasta Rosas y Facundo Quiroga, los restos de hombres y mujeres emblemáticos han coincidido aquí.

Arte e historias impensadas

En la Recoleta, dónde a cada paso se leen epitafios de personajes históricos, el pasado también está representado por un enorme acervo escultórico que incluye 83 monumentos. Algunos no escatimaron en mármol veneciano. Otros, materialmente más convencionales, tienen, sin embargo, una historia increíble que los sustenta.

Uno de los casos más sorprendentes es el de la pareja que, tras no hablarse durante 30 años, decidió perpetuarse en dos bustos que se dan la espalda desde hace más de un siglo.
Otra historia peculiar es la de la familia Sáenz Valiente que -a contramano de los cánones de su época- decidió reconocer “la fidelidad y la honradez” de su sirvienta al permitir que descanse en el mausoleo familiar.
Leyendas e historias maravillosas se tejen aquí por todas partes. Por eso, para quienes busquen descubrir los secretos mejor guardados de la Buenos Aires de antaño, la sugerencia es contratar un guía y disfrutar del paseo y de los relatos.

Texto: Andrés Bacigalupo

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En la segunda mitad de la década del ´60, los parisinos decían que el barrio de Les Halles, antaño motorizado por la vida económica y cultural de un mercado de abasto, estaba perdiendo todo su esplendor. Razones prácticas e inevitables, como el recrudecimiento del tráfico, habían convertido a un edificio de la época napoleónica poco menos que en un obstáculo.
Con este panorama, el presidente francés de entonces, Georges Pompidou (1969-1974) apostó a dinamizar la zona proponiendo, entre otras obras, la creación de un centro cultural moderno.
La idea del “Pompidou” ya estaba gestada. En 1970, la propuesta de los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers ganó el certamen organizado por el gobierno francés y, siete años más tarde, el magnífico museo ya era una realidad.

Una obra distintiva

El Pompidou fue, para las vidas profesionales de Piano y Rogers, una enorme puerta que se abrió y ya no se cerraría. El nombre de Rogers adquirió relevancia internacional y se involucró en proyectos eclécticos y novedosos en distintos países; desde los Edificios de la Terminal 4 en Barajas (Madrid) y el Tribunal de la Ciudad de Burdeos (Francia) hasta una reforma urbanística en Valladolid.

Para París, el Pompidou también tuvo felices consecuencias. Inaugurado en 1977 por el ex presidente Valéry Giscard d´Estaing, se transformó en un icono urbano y en uno de los museos más visitados, con cerca de seis millones de visitas por año.
Arquitectónicamente, marcó un antes y un después por su énfasis en la funcionalidad y por criterios de diseño espacial hasta entonces poco utilizados.

Texto: Andrés Bacigalupo

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